Enzo Umbaca

STROFINACCI

Inaugurazione – Giovedì 12 Settembre 2019 ore 19

13.09.2019 – 12.10.2019
orari: Tutti i giorni – 10.00/13.00 – 15.00/18.00
Sabato e Domenica su appuntamento – 339 2487266

Strofinacci
laboratorio di ENZO UMBACA
promosso dalla Galleria P46 nell’ambito dell’ edizione 2019 del Festival della Comunicazione

Il laboratorio che Enzo Umbaca ha svolto a Camogli, su invito della Galleria P46, fa parte di un work in progress che coinvolge tutte le Regioni d’Italia, a partire da un elemento comune: lo strofinaccio, un oggetto presente in tutte le cucine, luogo in cui si identifica la cultura italiana con i suoi riti della tavola, del buon cibo e della famiglia.

Osservando gli strofinacci venduti nelle bancarelle dei souvenir dell’Italia, ci si rende infatti conto della dovizia di prodotti e della ricchezza produttiva e diversificata del paese.
Questo semplice oggetto d’uso, che rappresenta l’identità di ogni territorio tra luogo comune ed effettivo genius loci, viene assunto dall’artista come strumento per stimolare, nel corso di incontri e laboratori, discussioni e riflessioni su questioni rilevanti per ciascuna comunità, tra il passato e la situazione complessa del presente, in una stratificazioni di visioni e narrazioni che vengono cucite e ricamate dai partecipanti direttamente sugli strofinacci.

L’intento è quello di creare una grande mappatura dell’Italia, frutto di un processo collettivo e condiviso, di una pluralità di “voci”, realizzata a patchwork con la tecnica tradizionale e ormai poco praticata del ricamo, in un work in progress che cresce attraversando le regioni e che durante lo spostamento coinvolge e unisce comunità, scuole, gruppi, singole persone.

“Ho pensato a questa esperienza – afferma l’artista – anche per dare espressione alla possibilità di ricostruire l’Italia in un’epoca di grande crisi in cui tutto è diventato labile, precario e tanti temi, perfino conquiste storiche ottenute a costo di lunghe e dure lotte, vengono messi in discussione dall’avanzata sovranista”.

Enzo Umbaca è nato a Caulonia nel 1964, e vive e lavora a Milano. Sviluppa la sua ricerca con linguaggi che variano dal video alla fotografia, alla performance, a progetti che attivano relazioni e rapporti con altre persone, siano esse gli abitanti di un paese o esperti di altre discipline, indispensabili nella costruzione del lavoro. Indaga la realtà studiando i riti collettivi e le questioni inerenti l’identità. Umbaca è stato segnalato tra i 100 artisti viventi più significativi a livello mondiale nella terza edizione del volume Cream 3, edito nel 2003 da Phaidon Press, e ha esposto in Italia e all’estero, in istituzioni e musei quali la National Gallery di Bratislava, il MART di Rovereto, la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo di Torino, il Casino Luxembourg, Luxembourg, il MAC/VAL Musée d’Art Contemporain du
Val-de-Marne a Parigi.

Julia Binfield
A Day at the Sea

Inaugurazione – Sabato 6 Ottobre 2018 ore 18
07.10.2018 – 02.12.2018

orari: Tutti i giorni – 10.00/13.00 – 15.00/18.00 Sabato e Domenica su appuntamento – 339 2487266

La parte centrale della mostra ‘A Day at the Sea’ consiste in 27 monotipi dello stesso soggetto che, ad un primo sguardo, possono sembrare molto simili. In realtà si dividono in due momenti della stessa giornata, il primo pomeriggio, quando la luce è molto forte, e circa due ore più tardi, quando il sole inizia a calare e la luce cambia. Non si sa bene se si è dentro oppure fuori dall’acqua. Interessano le sensazioni, il colore, l’atmosfera. Da un lato la vista è immobile, sempre la stessa, dall’altro è in costante mutamento, i colori sono fortissimi per un lungo periodo della giornata, poi la luce diminuisce, forse arriva un temporale oppure è soltanto il crepuscolo. Queste opere sono state completate prima da altre stampe che raccontano uno stesso soggetto in momenti diversi, intorno all’alba e poco prima della mezzanotte, per restituire la sensazione dell’arco completo della giornata. L’apparente ripetizione del soggetto è un’approccio che l’artista adopera spesso, mentre l’intento (abbandonarsi al caso, rinunciare alla descrizione lineare) e la tecnica (monotipo) sono molto diversi dal solito. Da sempre intrigata dalla flessibilità e dalla natura imprevedibile dei monotipi, Julia Binfield ha approfondito la tecnica nel laboratorio A14 a Milano con Daniela Lorenzi all’inizio del 2018 e ha capito che era molto adatta per esprimere la sensazione che ha vissuto in una giornata al mare nell’agosto del 2017. La tecnica del monotipo è poco controllabile e apre uno spazio di autonomia casuale del materiale, vedere cosa ne risulta, produrre in serie  senza una pretesa di omogeneità e soltanto successivamente, con uno sguardo distaccato, collocare ogni stampa nella sua posizione davanti al lavoro finito. I lavori sono realizzati su una carta molto leggera giapponese, che Julia Binfield sceglie spesso, e in questo caso permette di snellire la sua preparazione con il passaggio nel torchio. Altre carte più pesanti dovrebbero essere bagnate e mantenute umide per la durata del processo, in questo caso invece, si sono compiuti diversi passaggi successivi per rendere l’atmosfera desiderata. Il risultato è che ogni piccolo cambiamento della luce viene dettagliato, incidendo con una punta nell’inchiostro sulla lastra, intervenendo con alcol oppure lavorando con il frottage per evidenziare qualche contorno minuto.

Julia Binfield, londinese, si forma alla St.Martin’s School of Art, dove studia graphic design, a Pentagram con Alan Fletcher, per cui lavora due anni. Dopo si trasferisce in Italia a Roma, poi a Milano, dove attualmente vive e lavora. Negli ultimi anni si è occupata di graphic design, illustrazione e lavori personali. Nel 1995, le Edizioni Charta le hanno dedicato una monografia mentre nel 2005 ha vinto due premi come miglior libro illustrato dell’anno con “N.3. Che mistero nasconde il giardino dei vicini?”, pubblicato dall’editore Topipittori. Fra gli altri riconoscimenti ottenuti, il British Design and Art Direction, European Illustration, Art Directors’ Club Italiano e Associazione Illustratori Italiani. Ha collaborato con diverse scuole dove realizza insieme ai ragazzi dei murales. In 2013 ha realizzato un’installazione commissionata da Politecnico e il Comune di Milano in Piazza Leonardo da Vinci. Dedica sempre una parte del suo tempo a progetti personali, che espone in mostre in Inghilterra e in Italia.

juliabinfield.blogspot.com
www.juliabinfield.com

GORDON PARKS “NERO AMERICANO”

15.07.17 – 03.09.17

Gordon Parks – Scrittore, poeta, musicista, regista e soprattutto fotografo, Parks ha raccontato le difficoltà di essere nero in un mondo di bianchi.

La fotografia di Gordon Parks. Nero americano.

La fotografia non cattura solo le immagini del mondo che ci circonda. Se ben impiegata la macchina fotografica può trasformarsi in un potente strumento di critica socio – politica nonché di indagine culturale, di denuncia e al contempo di difesa. Gordon Parks è riuscito a piegare la macchina fotografica al suo volere sfruttandola per far conoscere la profonda spaccatura che ha diviso il territorio americano dall’interno: il mondo ghettizzato degli afroamericani, le difficoltà di integrazione dei piccoli gruppi sociali che lottano per sopravvivere. Ha raccontato storie, aneddoti e documentato situazioni della storia indimenticabili. E oggi queste immagini sanno ancora parlare al pubblico trasmettendo tutto il proprio potere di riflessione critica sulle ingiustizie, sulla povertà e l’emarginazione. Con il suo stile unico e versatile Parks ha superato le barriere del tradizionale fotogiornalismo per analizzare le situazioni dal loro interno: le sue sono immagini di vita quotidiana, di bambini e famiglie colti nei loro momenti più spontanei; ha saputo rappresentare i comportamenti delle persone senza giudicarli, li ha guardati dal basso verso l’alto, quasi come fossero eroi della vita e della sopravvivenza. È su questi temi che Parks rivela tutta la sua contemporaneità, il suo sguardo impietoso e al contempo delicato verso la società e gli individui che la costituiscono. L’attualità dello sguardo di Parks si rivela anche nelle sue modalità di scatto, nella sua tecnica di inquadratura, nella sua concezione della storia da raccontare; è un occhio cinematografico il suo, che racconta le immagini costruendo sapientemente un ritmo quasi musicale. Una poesia.

CONTEMPORARY VISIONS | Videoart in loop

Contemporary Visions ∞ VideoArt in LOOP è l’evento che coinvolge la videoarte in un percorso articolato e condiviso in contemporanea in diverse parti del mondo. LA CONTEMPORANEITÀ IN CONTEMPORANEA: questa è la volontà di AIAPI nel trasformare una esposizione in un evento internazionale che coinvolge il mondo e lo rende unito nell’arte. Location diverse nel mondo, luoghi inusuali e inaspettati che diventano luoghi d’arte che può essere fruita dal pubblico in qualsiasi momento. Le persone approcciano l’arte contemporanea con una diffidenza diffusa dall’abitudine di pensare che si tratti di un prodotto di nicchia, dedicato solo agli esperti e avulso ai più. L’arte, in realtà, è di tutti e a tutti appartiene. Nel momento stesso in cui viene prodotta dall’artista comincia ad appartenere alla gente, la quale può goderne appieno il valore anche, e forse soprattutto, proprio dove non si aspetta di trovarla. Ecco allora che l’arte diventa di tutti e in contemporanea in molte parti del mondo, persone di culture diverse vivranno esperienze analoghe, sentendosi vicine. L’arte supera le barriere, accomuna ed eleva ad una riflessione più ampia della realtà, offrendoci visioni (contemporanee) alle quali gli occhi sono grati. Contemporary Visions ∞ VideoArt in LOOP coinvolge artisti di tutto il mondo in un evento in tutto il mondo.

http://aiapi.it/contemporary-visions

GLI ARTISTI

Sergio Albiac | Donato Arcella | Atotonilco Estudio | Augenblick | Federica Barcellona | Steven Briand | Silvia Camagni & Grace Zanotto | Francesco Carbone | Massimo Cappellani, Katia Di Rienzo, Emanuela Fiorelli | Pablo Caviedes | Daz Disley | DORI&GREY | Maurizio Follin | L’Appeso Videoproduzione | Kasumi | Fenia Kotsopoulou | Francesca Lolli | Ruggero Maggi | Shimrit Malul | Chiara Mazzocchi | Rasoul Moareknejad | Nadia Perrotta | Anna Pozzuoli | Punto Critico | Giordano Rizzardi | Marco Rocca | Candas Sisman | Elena Tagliapietra

  Sabato 1 Ottobre 2016  ore 18 02.10.16 – 16.10.16 Orari: Tutti i giorni – 10.00/13.00 – 15.00/18.00    

Luca Panaro | PHOTO AD HOC

Il libro raccoglie opere di artisti italiani capaci di produrre immagini fotografiche ad hoc, consapevoli di rapportarsi alla cultura e all’identità di un luogo, abili nel comprendere l’evoluzione di un territorio attraverso i documenti conservati in un museo. Da questo processo ne risulta un variegato campionario di atteggiamenti, forme e testimonianze, di una comunità dotata di un bagaglio iconografico da tramandare. Nel saggio di Luca Panaro la figura dell’artista ne esce potenziata, forte di un rinnovato ruolo sociale.

Luca Panaro (Firenze 1975) è critico d’arte e curatore, laureato in Arte Contemporanea al DAMS dell’Università di Bologna, dal 2007 insegna “Storia della critica fotografica” all’Accademia di Belle Arti di Brera a Milano. Nel 2005 inizia la collaborazione con il Politecnico di Milano, sede di Piacenza, dove dal 2013 insegna “Iconografia fotografica”. Tra i suoi libri: L’occultamento dell’autore. La ricerca artistica diFranco Vaccari (APM 2007), Tre strade per la fotografia (APM 2011), Conversazioni sull’immagine (Danilo Montanari 2013), Casualità e controllo. Fotografia, video e web (Postmedia Books 2014), Visitebrevi (Quinlan 2015). Ha pubblicato su Enciclopedia Treccani XXI Secolo il saggio Realtà e finzionenell’arte contemporanea (2010) e co-curato l’opera in più volumi Generazione critica (Danilo Montanari 2014-2016).

www.lucapanaro.net/

  Presentazione del libro – Sabato 23 Aprile 2016 ore 18      

CIBO 2.0

“CIBO 2.0” è un progetto interattivo site-specific  di Paolo Veronelli voluto dalla Galleria P46 per la seconda edizione del Festival della comunicazione di Camogli. Nata come galleria fotografica contemporanea, P46 ha accolto l’invito a confrontarsi sul linguaggio proponendo al visitatore un’esperienza comunicativa nuova, che impiega una tecnologia di uso comune in modo sperimentale, riunendo in un unico discorso tradizione e innovazione, fisico e virtuale, locale e globale. Per tutta la durata del festival sarà attivo un software (QRManiacs) che renderà possibile l’interazione tra il visitatore del festival e la galleria, al quale si potrà accedere esclusivamente tramite la lettura di codici grafici ( QR code) posizionati in alcuni esercizi commerciali del centro di Camogli. Ciascun codice rimanderà ad una piattaforma dedicata ad una specialità della cucina ligure e le risposte che ogni utente collezionerà verranno memorizzate nel suo account virtuale, ma la partecipazione al gioco-progetto verrà formalizzata solo con l’accesso in Galleria, che sarà allestita per l’occasione. Sfruttando la peculiarità del Codice QR di contenere link diretti a risorse virtuali aggirando la necessità di una nostra elaborazione  testuale (googleing), questa iniziativa invita il visitatore a sperimentare una nuova forma di interattività: puntare lo sguardo e il cellulare verso l’ambiente riconoscendo in esso un sensibilissimo indicizzatore del mondo virtuale. Da realtà reale aumentata a realtà virtuale diminuita.

10.09.2015 – 13.10.2015 Festival della comunicazione

LUCIANA BORA Camogli, opere su carta Il paesaggio ligure diventa un tema ricorrente nell’opera pittorica di Luciana Bora a partire dal 1950, quando trascorre la sua prima estate a Camogli. Formatasi a Brera nella Milano del dopoguerra, con compagni di accademia, quali Enrico Baj, Alik Cavaliere, Alfredo Chighine, Roberto Crippa e Dario Fo, Bora segue la classe di pittura di Achille Funi, assimilandone il realismo di carattere novecentista, ravvisabile nell’impostazione monumentale delle figure umane dei primi oli eseguiti dalla pittrice negli anni giovanili. In seguito, la sua opera evolve attraverso una ricerca individuale basata sulla luce e sul colore che denota la particolare capacità cromatica dell’artista. Dalla sua vasta produzione pittorica, in cui ha trattato numerosi soggetti e molteplici tecniche, questa selezione di opere su carta mostra la sua versatile abilità nel trasporre i temi con mezzi svariati, associando il pastello all’acquerello, oppure con il semplice uso della china. Realizzati nel corso di almeno trent’anni, i lavori esposti illustrano scorci di paesaggio nei quali la macchia mediterranea, immersa nei freddi toni azzurri del cielo e del mare, viene resa da ampie stesure di colore, sulle quali interviene infine il segno deciso del pastello. Il paesaggio mosso, di forte impatto cromatico, dei suoi acquerelli si placa nei disegni a china dove la prorompente vegetazione viene tradotta minuziosamente in netto contrasto con le linee chiare e semplici delle architetture liguri di sfondo. Silvia Barisione Curator, The Wolfsonian – Florida International University, Miami Beach.